Dessinez une tete

La perspective (3): à points de fuite

La perspective à un point de fuite

Utilisée pour représenter des routes, ou des grands objets fuyant tout droit, en suivant le sens du regard, elle est également utilisée par les cartes 3D, et la majorité des algorithmes 3D, créant des artifices visuels lorsque de grands objets traversent le champ de vision de la caméra virtuelle. Et aussi tout ce qui est droit. Il faut garder en mémoire que la perspective n'existe pas. Elle est une interprétation théorique de notre vision. Elle a toujours été pressentie par les artistes, mais ce n'est qu'à la renaissance que des lois régiront la représentation sur un plan fuyant, nouveau désir pour les artistes de s'approcher du réel.

Les perspectives à plusieurs points de fuite

Utilisées en dessin lorsque des objets de taille importante ne fuient pas dans le même sens que le regard du dessinateur.

Vocabulaire du pastel (2): Rehauts

Les rehauts correspondent aux parties les plus éclairées du dessin. Ils se font en fin de travail généralement, ajoutant un peu de blanc, en frottant le pastel avec une gomme pour faire réapparaitre le blanc du support ou en grattant les couches de pastel avec une lame de rasoir.

Réduisez votre stress: art thérapie

L'art n'est pas seulement un moyen d'exprimer son coté créatif mais aussi la possibilité de se recuperer à la suite des certains événements traumatisants ou tout simplement s'affranchir du stress quotidien. La specialité de la medicine qui s'occupe de ce problème a comme nom: art thérapie.

Prenons l’exemple particulier du dessin dans le champ plus vaste de la thérapie par l’intermédiaire de l’art. Il y a trois bénéfices immédiats en pratiquant le dessin:

• vous arrivez à vous distraire des soucis et problèmes quotidiens, vous vous offrez des moments de repos, vous vous concentrez seulement sur l’activité physique du dessin

• la possibilité d’entrer sans un état méditatif, lorsque vous vous sentez entierement engagé dans cette activité

• prendre soin de soi-même: en pratiquant l’art comme loisir, vous arrivez à vous relaxer et vous offrir du bon temps pour vous-même.

La plupart des specialistes recommandent le journal d’esquisses. Avoir un journal dans lequel vous ajoutez du texte et du dessin peut s’avérer tres soulageant et créatif.

Il y a plusieurs journaux que vous pouvez tenir:

• un journal qui traite les causes de votre stress quotidien. Dessinez les personnes ou les situations tensionnées.

• un journal qui a comme sujet les expériences passées qui vous ont mis dans une situation très stressante.

• un journal qui recupere les rêves que vous faites, ca va vous aider de mieux vous comprendre vous-même

• un journal avec des esquisses des choses que vous considérez belles dans la vie.

En ce qui suit vous avez quelques exemples de thérapie par art.



Livres traitant du sujet

Vocabulaire du pastel (1): sgraffite

Souvent les débutants ont des difficultés à comprendre le vocabulaire trop technique des artistes. Sfumato, sgraffite, modelés, etc.. c'est des termes hermétiques. Afin de faciliter l'accès à ce language je vais constituer un vocabulaire pastel basique.

Le mot du jour: sgraffito

Sgraffito provient de l'italien et signifie "éraflé". La technique implique le grattage de la dernière couche d'une série de couleurs superposées pour réapparaitre la teinte précédente. Cette technique demande un pastel consistant (pastel tendre ou avec l'huile étendus en couche epaisse) pour s'érafler proprement. Vous avez besoin d'un stylet ou d'une lame de scalpel fine.

Histoire de l'art (3): Le minimalisme

Le minimalisme (ou art minimal) est un courant de l'art contemporain né au début des années 1960 aux États-Unis. La notion d'Art Minimal a été donnée à la fin de l'année 1965 par le philosophe Wolleim dans Arts Magazine au sujet d'une exposition à la Green Gallery de New York.
Interprété comme une réaction au débordement subjectif de l’Expressionnisme abstrait et à la figuration du Pop art, le minimalisme est caractérisé, entre autres, par un souci d’économie de moyens. Il hérite du célèbre principe de l’architecte Mies van der Rohe « Less is more » (« Moins c'est plus »), des œuvres de Malevitch, et reconnaît le peintre abstrait Ad Reinhardt comme l’un de ses pionniers avec Frank Stella.

Pour les Minimalistes ll n'y a rien d'autre à voir que ce que l'on voit . Le « ressenti » est interdit.
Ce courant regroupe des artistes tels que Donald Judd, Carl André, ainsi que Robert Morris et Sol LeWitt qui vont s’en détacher rapidement.
En réaction aux tableaux extrêmement colorés et aux objets quotidiens élevés au rang d'œuvres d'art par les artistes du Pop art, les œuvres minimalistes se composent généralement de deux ou trois couleurs et de formes basiques : ronds, carrés, lignes droites, etc. La simplicité est primordiale et il n'existe aucune représentation subjective derrière le minimalisme ; il est dénué de toute symbolique et ne cherche à jouer que sur les formes et les couleurs en évitant l'émotion au sens littéral du terme : un art dénué de tous sentiments subjectifs et objectifs.


Livres traitant du sujet

Minimalisme par James Meyer

Julian Beever: Pastel sur le sol

pastel sur le sol, Julian Beever
envoyé par Nobakani

Julian B

Faire un fondu pastel

Le fondu est une composante essentielle du travail au pastel qui permet la création des effets différents comme celui de la matière lisse ou veloutée, des reflets etc. On a plusieurs types de fondus:

1. Fondu à l'estompe: vous l'obtenez en frotttant doucement la surface avec la pointe ou le coté de l'estompe.

2. Fondu à la brosse: utilisez une brosse à poils courts (synthétique ou en soies de porc)

3.Fondu au doigt: frottez avec le doigt sur la surface du papier.

Matériaux recommandés pour le fondu: une boule de coton, mouchoir en papier, chiffon ou brosse.


Livres traitant du sujet

L'encyclopédie du pastel par Judy Martin

Histoire de l'art (2): cubisme

Le cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé de 1906 à 1914 autour de Georges Braque, Francis Picabia et Picasso. Après la Première Guerre mondiale, le mouvement s'essouffle, avant de s'éteindre vers les années 1920.

On peut distinguer 4 périodes:

Précubisme, ou cubisme cézannien, nègre ou géométrique (1907-1910). La démarche s'attache à la représentation en volume de l'objet, à la manière de Cézanne ou des masques africains ; la perspective traditionnelle est souvent malmenée.

Concerne essentiellement Pablo Picasso (cf Réservoir à Horta) 1909, et George Braque. André Derain et Fernand Léger mênent alors des recherches parallèles.

Cubisme analytique (1910-1912). L'objet est déconstruit, et toutes ses facettes sont représentées en fragments, sans aucun égard pour la perspective ; cette phase de recherche se caractérise par un chromatisme très peu saturé (gris, brun, vert, bleu terne). En revanche, la lumière occupe une place très importante ; elle se répartit différemment sur chaque fragment. Concerne essentiellement Pablo Picasso, (cf Le joueur de guitare, 1910) et Braque, qui coopèrent et rivalisent d'inventivité pour toujours pousser plus loin la démarche. Leurs toiles tendent à la stylisation abstraite.

Cubisme synthétique (1912-1914). Cette période est caractérisée par le retour de la couleur et par l'utilisation de la technique du collage (papiers, objets). Le peintre sélectionne les facettes les plus pertinentes de l'objet déconstruit (contrairement à la deuxième phase, où il n'y a pas de sélection). Des éléments de la réalité sont réintroduits, notamment par le collage de papiers ou donnant des indications de matière à l'objet reprèsenté (faux bois ou toile cirée). Cf. Pablo Picasso, Guitare et bouteille de Bass, 1913. Braque et surtout Juan Gris donneront à ce style une rigueur et une sérénité classique.

Cubisme orphique. Le nom est donné par Guillaume Apollinaire à propos des deux principaux représentants de cette forme de cubisme: Robert Delaunay et sa femme Sonia Delaunay. La couleur se détache de toute forme et permet la création, dans leurs œuvres, de cercles concentriques colorés, donnant rythme et vitesse au tableau.

La perspective (2)

Il existe différentes façons de représenter la perspective en dessin, elle sont plus ou moins simplistes. Les plus simples suffisent dans certains cas, d'autres sont indispensables dans des images plus complexes.

La perspective cavalière

Majoritairement utilisée en conception (CAO, architecture), elle n'utilise pas de point de fuite. Les trois axes correspondants aux trois dimensions sont :

* l'axe horizontal,
* l'axe vertical,
* la diagonale indirecte (du coin gauche inférieur vers le coin droit supérieur), en général à 45° des deux autres axes.

Dans cette perspective, la distance n'influence pas la taille des éléments représentés.

La perspective isométrique

Cette perspective est similaire à la perspective cavalière, excepté que les trois axes sont :

* l'axe vertical,
* les deux axes diagonaux.

Ces axes sont en général à 120° les uns des autres.

Dans cette perspective, la distance n'influence pas la taille des éléments représentés. Elle est largement utilisée dans certains jeux vidéo.

Marques de pastel (2)

Pastel Dur

Holbein
Grumbacher
Conte
Alphacolor
Sakura Nouvel Carre
Prang Artist’s Chalk
Nupastel
Gallery





Pastel Medium

Rembrandt
Demco Chalk Pastels
Winsor Newton
Yarka
Schwan’s Carb Othello pastel Pencils

Pastel Mou

Rowney’s
Sennelier
Townsend
Wallis

Extra-mou

Schmincke
Unison
Maimeri
Artworks

Voir aussi:
Fixatifs pastels, papiers et supports, marques pastel

Histoire de l'art (1): pop art

Le pop art est un mouvement qui trouve son origine en Angleterre au milieu des années 50, sous l'impulsion de Richard Hamilton et Edouardo Paolozzi. Un peu plus tard, dans les années 1960, c'est au tour du Pop art américain d'émerger avec Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg ou encore Jasper Johns. C'est surtout la branche américaine qui va populariser ce courant artistique devenu majeur, en dénonçant la consommation de masse à tout prix et présenter l'art comme un simple produit à consommer : éphémère, jetable, bon marché...

Le mot pop art (abrégé de « popular art ») a été prononcé pour la première fois en 1955 par Lawrence Alloway, un critique d'art anglais qui faisait partie de l'independent Group, groupe d'intellectuels travaillant sur le rôle de la technologie dans la société.

Mais ce qui caractérise profondément ce mouvement, c'est le rôle de la société de consommation et des déformations qu'elle engendre dans notre comportement au quotidien. C'est à partir de ce principe que les artistes américains vont mettre en évidence l'influence que peut avoir la publicité, les magazines, les bande dessinées et la télévision sur nos décisions de consommateurs. Par la suite, ce mouvement va s'étendre et toucher d'autres domaines comme la mode, l'architecture, le design, etc.

L'accueil est très bon dès les débuts du mouvement, car le pop art est a priori simple et accessible. Les procédés utilisés par les artistes étaient souvent des nouveaux produits qui sortaient tout juste de cette société de consommation : acrylique, sérigraphie, etc. Les couleurs sont souvent vives et décalées par rapport à la réalité. Andy Warhol (1928-1987) est considéré comme l'un des apôtres du pop art.

Au-delà de la peinture, le pop art a usé des techniques picturales qui n'étaient auparavant pas considérées comme proprement artistiques, mais industrielles. Ce mouvement a perturbé le monde artistique d'autres manières, par exemple à travers la remise en cause du principe d'unicité d'une œuvre d'art. Andy Warhol reproduisait les siennes par centaines, parfois même par milliers, ce qui heurtait les idées classiques attribuant à une œuvre sa valeur car elle est unique.

Le pop art utilise des symboles populaires, qui marquent l'inconscient dès l'enfance. De Mickey Mouse à Marilyn Monroe, en passant par Mick Jagger, l'admiration quasi généralisée de certaines idoles y est exultée de manière neutre ou non, selon l'artiste. La culture publicitaire de la société de consommation est une autre source d'inspiration.
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Livres traitant du sujet:
Pop Art : Le choc de l'image
Pop Art: A Continuing History

Andy Warhol: Giant Size
Roy Lichtenstein: Interiors

Fixatifs pastels

Une fois finie votre oeuvre, elle doit etre fixée. Voila venu le moment ou vous tremblez le plus (au moins c'est ce qui m'arrive a moi), car les couleurs peuvent changer et les effets cherchés disparaitre dans une seconde. Utiliser un fixatif peut être question de dosaje ou d'étape (ceux qui utilisent les couches de pastel préférent les fixer avant d'avoir fini une étape de leur dessin). Vous pouvez utiliser le fixatif de cheveux, beaucoup d'étudiants le font mais le résultat est quand même decevant, car il noircit. Sinon, vous pouvez chercher un fixatif professionnel et la, vous avez le choix. Il faut tester afin de voir ce qui vous convient le mieux. Je vous présente qelques marques.

Pastel fixative Lascaux
c'est une marque suisse, très fine, il ne rajaunit pas et a une haute résistence dans le temps
Le fixatif de Sennelier pour le pastel huile
Fait de la résine et alcool, ce fixatif laisse une couche transparente qui protège contre la poussière.

Pastel fixative-Latour Aerosol

celui-ci fait toujours partie de la gamme Sennelier. Basé sur de la résine qui ne rajaunit pas et de l'alcool.

Latour Pump
appartient à la gamme Sennelier.

Krylon Fix
Krylon protège les dessins en crayon, pastel et fusain. Il permet de retravailler facilement le dessin.


Voir aussi:

chevalet, cartons, fixatifs, marques pastel

Demonstration urbaine de pastel

Papiers et supports

Quelques types de papier pour le dessin.

Canson Mi Teintes

Kitty Wallis Pastel paper

Art Spectrum Colourfix




Fabriano Tiziano- du papier qui peut être utilisé pour le dessin au pastel, crayon, graphite, fusain et tempera.

Marques de pastel

Par quoi commencer en termes de marque? Cela dépend de votre style: vous avez besoin d'un pastel plus mou et velouté ou un pastel qui se ressemble plus à la craie. J'ai testé une partie de ces pastels et je dois avouer que je n'en suis pas mecontente.

Marques francaises
Sennelier à l'écu
Girault Pastels
Henri Roche


Marques anglaises

Unison Colour Soft Pastels
Daler Rowney Soft Pastels
Winsor and Newton Soft Pastels


Autres marques
Mount Vision Pastels
Talens Rembrandt Soft Pastels
Schmincke
Terry Ludwig

Cours materiel: Le chevalet

Le chevalet peut avoir d'assez nombreuses formes.

Les chevalets à patins


Leur assise est excellente.Ils peuvent être pourvus d'une crémaillère plus ou moins perfectionnée - mais qui doit être solide ! -, d'un plateau à deux étages, et peuvent même, parfois, être disposés à l'horizontale. Ils peuvent généralement porter des châssis très grands.

Contrairement à une idée reçue, la plupart de ces chevalets peuvent être repliés et occupent alors très peu d'espace. Ils ne coûtent pas forcément très cher - c'est la nature et la qualité du bois qui détermine le positionnement dans les gammes de prix. Il existe des chevalets de table à patins pouvant rendre de grands services.


Les chevalets à quatre pieds

Assez stables, certains sont particulièrement pratiques pour le travail à l'horizontale. Les modèles que nous connaissons n'autorisent cependant pas les travaux sur châssis de taille vraiment importante.Leur prix est assez modéré.Certains chevalet-boîtiers en bois ou en métal ont quatre pieds mais leur robustesse n'a rien de commun avec les chevalets d'ateliers à quatre pieds.

Les trépieds
Ils ont peu de stabilité mais rendent des services.Certains, en bois précieux, vernis, coûtent plus cher que de bons chevalets à patins. Ils ne semblent offrir qu'un intérêt décoratif.Les chevalets-trépieds de campagne les plus robustes sont probablement les modèles métalliques simples un peu lourds, donc plus stables (éviter l'aluminium et les boîtiers en fer blanc).



Synthèse

Les trépieds sont utilisé pour des études, dans des cours, sur le motif, ou bien comme accessoires décoratifs.

Les autres chevalets sont plutôt destinés à l'atelier.

La qualité des mécaniques et des bois (le sapin étant le plus médiocre), la finition des pas de vis, des mécaniques et l'ergonomie du chevalet sont des facteurs déterminants à l'achat.


Enfin, la taille et certains accessoires ou particularités peuvent déterminer l'usage possible :

* certains petits chevalets à patins peuvent être posés sur une table et rendre des services, y compris à l'extérieur.

* pourvus de boîtes de rangement tenant lieu de socle - effectivement stable - se substituant aux patins, ils sont surtout destinés à être transportés.

* les trépieds désignés comme "chevalets de campagne", avec ou sans boîtier, sont en bois ou en métal. Le poids est un facteur de choix très important pour ces modèles, pas tant du point de vue du confort lors du transport que de celui de la stabilité en cours de séance. Les modèles en aluminium ont à peu près disparu mais l'entrée de gamme continue à être constitué de chevalets légers, en bois. On ne peut pas peindre sur un support instable. Les modèles en métal d'un certain poids et d'une certaine robustesse sont finalement les plus confortables... pour peindre !

* certains trépieds de taille normale, en bois précieux, dûment vernis, ne peuvent être considérés que comme des objets décoratifs car il existe des modèles à quatre pieds ou à patins qui sont beaucoup plus pratiques pour un coût inférieur.

* les modèles à patins, en chêne, dont les mécaniques autorisent l'emploi à l'horizontale, sont presque des objets d'art et à coup sûr des chef-d'œuvres d'ingénierie et de savoir-faire. Ils donnent à l'artiste une grande liberté mais leur plein usage est limité à l'atelier.


Pour le rêve, évoquons un type de chevalets splendides. A patins réglables - que l'on peut pourvoir de roulettes - leur flèche est double et peut atteindre une hauteur impressionnante. En chêne ou en hêtre, toujours vernis, leurs plateaux sont pourvus de tiroirs. Rien à voir avec des chevalets d'apparat : ces outils permettent réellement de travailler avec un grand confort, même s'ils n'autorisent pas absolument tous les formats. Leur coût n'est pas si élevé et peut généralement être discuté.

Premier Salon du Dessin Contemporain, Paris

1er Congrès Européen des Pastellistes

Les Rencontres du Pastel
1er Congrès Européen des Pastellistes

23- 24 -25 novembre 2007

Conférences - Démonstrations – Ateliers – Dialogues
Concours

En face du Stade de France, L'Usine
Ave du Président Wilson - 93210 La Plaine St Denis
www.lusine-saintdenis.com


Durant 3 jours exceptionnels les Grands Maîtres vont partager avec vous leur expérience et leur savoir-faire, ils vous donneront les clefs de la réussite !!!

Que vous soyez débutants ou initiés ou que vous n'ayez encore jamais pratiqué cette technique, vous pourrez échanger et dialoguer avec des personnes partageant avec vous la même passion : le Pastel

Conférences-démonstrations sur écrans géants
Des pastellistes de renom experts en Portrait : Gweneth Barth et Ken Paine , en paysage : Peter Thomas , en fleurs : Chris et en nature-morte : Patrick Martin réaliseront devant vous une œuvre.

Leur travail sera filmé sur écran géant pour vous permettre de bien comprendre leurs gestes et leur méthode de travail qui sera commentée au fur et à mesure. Ils répondront à vos questions.

Un moment exceptionnel de convivialité
Durant ces 3 jours un panel de pastellistes professionnels et des passionnés de Pastel seront à votre disposition pour échanger avec vous leur expérience d'artiste. Vous obtiendrez des réponses à vos intérrogations, des solutions à vos problèmes qu'ils soient d'ordre juridique ou technique. Ils vous conseilleront sur votre travail.

Ateliers - Stages - Démonstration
Chaque jour vous pourrez vous inscrire à des ateliers animés par des pastellistes talentueux,

Des conseils utiles et concrets
Soumettez votre « book" à d es pastellistes professionnels qui vous donneront leurs appréciations et vous guideront pour parfaire vos connaissances et votre habileté.

Conférence sur les matériaux
Savez-vous tirer le meilleur parti de la richesse des matériaux ? Pastels, supports, fixatifs, etc. ?
Créer ses teintes, créer son support ? Les professionnels vont vous dévoiler leurs secrets .

Concours – 7 500 € de prix en espèces et en cadeaux
Vous êtes invités à participer au premier «Concours du Pastel», les œuvres des finalistes seront exposées durant le Congrès, les vainqueurs recevront de magnifiques cadeaux, les premiers Prix seront invités à exposer au prestigieux Festival International du Pastel de la ville de Feytiat et dans les Salons de la Société.

Règlement Concours

Cocktail de remise des prix

Programme : Les Rencontres du Pastel

Demande d'informations par e-mail

pastellistes@claranet.fr



En parallèle au Congrès
Le premier Salon Ile de France
du Pastel
22 novembre au 19 décembre 2007

Espace "Art et Liberté" Ville de Charenton - Métro : Liberté

en partenariat avec
l'Association "les Ateliers d'Art"
4, rue de la Mairie 94220 Charenton le Pont - Tél 01 43 68 91 76

et la Ville de Charenton le Pont

Ce salon international présentera 200 oeuvres soigneusement sélectionnés pour le plus grand plaisir de ceux qui apprécient l'Art du Pastel

Haitian Island Spirits

Ayez la patience de suivre toute la video, vous serez recompensé à la fin.

Green still life: Georgiana Cray Bart

Premiere étape:

Pour une bonne peinture vous devez avoir un dessin précis ou un "squélet". Les objets sont mis en place, arrangé dans une composition dynamique, par rapport à l'espace où ils sont situés. D'habitude j'utilise Nupastel blanc pour faire le dessin parce que pour mélanger les couleurs je dois mettre le pastel en couches et le blanc n'interfère pas avec les effets que je veux produire. Après avoir fait une série d'ésquisses, ce dessin ou squélet est réalisé sur du papier Canson mi-teintes. (more)

La perspective

Si vous regardez tout au long d'une route, les bords parallèles paraissent se rencontrer dans un point. Ce point nommé point de fuite a été utilisé pour ajouter du réalisme dans l'art depuis 1400.

More>>

Pastel portrait

Color wheel

Lecon pastel no 3: suite 2

J'ai de nouveau fixé l'image. J'etais prête à ajouter la barque à voiles.
Le modèle. J'ai fait un tas d'esquisses d'abord, afin de déterminer la mesure juste.

Parce que le velouté est si mou, on ne peut pas avoir un contour bien défini seulement par le pastel. Alors j'ai pris du papier et j'ai fait la forme d'une barque à voiles, j'ai crée un modele. J'ai mis le modèle sur la partie du dessin où je voulais qu'il apparaisse et j'ai appliqué du pastel blanc autour les bords afin de créer la forme d'une barque.

Je me suis servie d'un autre modèle afin de créer les zones de couleurs entre les voiles. Ensuite j'ai hachuré avec du pourpre et de l'or les voiles et la coque afin de créer des reflets et des ombres. J'ai utilisé un tortillon pour mélanger les couleurs.

La barque à voiles finie.


J'ai eu la même approche pour donner du contour aux vagues dans l'arrière plan, après j'ai retravaillé le ciel et l'eau afin de rendre plus lumineuses certaines couleurs. Ensuite j'ai fixé de nouveau le pastel . Voila, c'etait prêt. J'ai utilisé des pastels Rembrandt.

Schmincke pastel

Pastel portrait: lecon pratique

Lecon pastel no 3: suite

A ce point la, j'ai du arreter et utiliser le fixatif. Une des raisons pour lesquelles j'avais essayé le pastel velouté etait le fait qu'il ne demande beaucoup de fixatif. Mais, contrairement a ce que je pensais, c'est bien le fait. Lorsque j'ai tapotté le dos de mon dessin afin d'éloigner la poussiere en exces du pastel, a peu pres la moitié de mon pastel a été perdue. Alors j'ai du appliquer de nouveau la couleur et la fixer avec un fixatif fiable.

Pourquoi je n'aime pas le fixatif? Parce que les couleurs deviennent foncées, mais premierement parce que ca les rend transparentes et rend le background visible. Dans ce cas la, cela ne constituait pas un probleme, mais parfois c'est la galere.

Apres avoir "fixe" l'image j'ai pointé mon attention sur l'eau. J'ai voulu avoir un détail plus fin, alors j'ai recommencé a me servir du bout de mes pastels et a appliquer la couleur avec des traits plus fermes. J'ai utilisé tous mes nuances de bleu afin de créer l'effet de vague, ajouté un peu de pourpre pour la profondeur et un peu de jaune et orange afin de réflechir le ciel. Je serais intimidée par le pastel velouté parce que je me rappelle des expériences passées a avoir eu des difficultés a l'éffacer. Mais j'ai été contente de découvrir qu'il facilite le travail en couches. La couche supérieure soit va se meler avec ou entierement couvrir les couches inférieures en fonction de la vigueur de la touche. Parce que j'aime plutot d'etre spontanée dans une peinture, que plannifier tout d'avance , le pastel velouté était plus adéquat a mon approche; j'ai pu changer les formes, les directions, meme les couleurs a toute étape sans trop de difficulté.

Lecon pastel no 3: Arcadia Art Studio

Esquisse du coucher du soleil.

Lorsque j'ai decide de transformer cette esquisse dans une peinture j'ai eu l'impression que la peinture serait plus interessante dans un format vertical, et travailler dans le rectangle.

J'ai "coupe" l'image et j'ai commence a esquisser l'horizon et la barque a voile.

Generalement, je prefere les pastel dur pour une premiere esquisse , mais dans ce cas la j'ai utilise du pastel plus veloute, "Rembrandt" pastel. (gris clair)

Ensuite, j'ai determine les zones majeures de couleur.

J'ai ajoute du rose pale en premier plan (l'eau), parce que je preferais plutot le rose que le gris du papier pour donner l'effet de lumiere lorsque j'allais poser le bleu fonce et les pourpres.

j'ai commence a ajouter des couche et a melanger les couleurs.

Au debut j'ai dessine des lignes paralelles avec le bout de mes pastels. Mais j'ai vite compris que je voulais une surface plus "active" et j'ai commence a utiliser le cote de mon pastel, changeant la direction apres 2-3 traits. Dans cette photo vous pouvez remarquer les traits obliques dans l'eau, et ulterieurement, la" couleur cassee" du ciel.

Materiaux pastel: lecon no 1

Pastels surfins extra-tendres pour artistes, série 17

• 400 couleurs brilliants et abondantes
• Les meilleurs pigments en forte concentration
• Une proportion minimale de liants
• Résistance à la lumière maximale


Les bâtonnets de forme cylindrique se composent uniquement des pigments broyés moyennement fins, juste ce qu'il faut pour qu'ils se laissent mettre en forme et ne s'émiettent pas. La fabrication est réalisée entièrement à la main. Dans un procédé de fabrication traditionnel et très long, les pigments auxquels on a ajouté un minimum de liants sont pétris (la consistance obtenue rappelle celle d'une pâte), et formés par haute pression en bâtonnets qui seront délicatement récupérés pour être ensuite coupés manuellement à l'aide de fils métalliques tranchants. Encore humides, ils doivent sécher à température ambiante environ 8 jours avant d'être étiquetés … là encore, à la main. L’assortiment total de la gamme de coloris représente 400 teintes en 80 séries avec chaque 5 coloris y inclus 5 teintes spéciales pour les effets nacrés. Les couleurs pastels doivent être fixées avec un fixatif spécial pour pastels. Nous recommandons le fixatif pour pastels de Schmincke (No 50 402)- utilisez le fixatif très légèrement. Sur le cartons pastel Schmincke „Sansfix“ une fixation n’est pas nécessaire.

Lecon pastel no 2: dessiner une pomme par Colin Bradley

Ce tutoriel va vous montrer comment dessiner une pomme en 6 etapes en utilisant des pastels crayons...plus

Lecon pastel de la semaine: Mike Mahon

I don't always have something to say, nor am I always inspired. Painting is enough of a struggle without the added burden of making a statement. Thus, I let the subject speak to me, and I simply serve as the editor and interpreter for my audience. The subject matter is usually more profound and interesting than I am. It is this realization that freed me from 20 years of a fear of painting...

Measuring and Proportions to Help Elevate Your Figure Drawings!

By: Todd Harris

Proportions and Measuring

Proportion is a word often associated with another word for artists, stress. But I’m here to share with you that it doesn’t have to be a stressful word.

Proportion…How big should the head be? How long should the legs? How long should I draw this line? These are questions, we as artists, face everyday. There are several tools and methods to help artists with proportions.

There are certain proportion formulas, such as the figure being a certain many heads tall, or the head of the figure being so many eyes wide.

I like to know these formulas and use them as a guide. The human form being so individual you can never go strictly off of these formulas alone. As an artist, it’s important to know these formulas to be able to recognize the deviations from the formulas in the model/subject you are drawing.

Measuring

Measuring is a little bit different for every artist. It is a tool for proportions not to overlook. Just as someone aiming a poolstick or firing a gun does it differently than the next person, so goes it for the artist. Some artists, while measuring, will shut the left eye and some the right, while others will keep both eyes open (just never keep both shut LOL). You’ll need to see what’s right for you. Then, hold your pencil between your thumb and fingers with your fingers wrapped around the pencil. Measure from the top of your thumb to the end of your pencil. You can hold your pencil vertical or horizontal for this technique, keeping it at shoulder high.

Your measurement from your thumb to the end of your pencil may only be ½ inch, but on your drawing it could be an inch or more. All of your measurements are comparative. For example, if an artist wants to know how long a leg is, he can compare it’s length with the length of the subjects head. Using the measurement method we discussed with the pencil, it’s easy to compare.

How To Contour Draw and Begin Reaping the Immediate Benefits

By: Todd Harris

How to Contour Draw and the Benefits…

Making a contour drawing may seem a little overwhelming or pointless to you. Let me say there are a great many advantages and lessons learned through doing these drawings.

First, let’s discuss what a contour drawing is. Before you can draw the human form, or anything else for that matter, you must be able to see it accurately. Contour drawing is a tool that helps artists develop this skill through the sense of sight and sense of touch.

The contour is the edge of the model in space, or in more simple terms, it is the outline or horizon of the form. Contour is more than the outline; it shows forms within overlapping other forms and so on. It creates the sense of 3D. It is curved lines representing specific forms along the silhouette of the form. Defining contour can be tricky but as we explain how to do the contour drawing, you will see a clearer definition.

How to draw the Contour…

Contour drawings should be handled carefully and delicately to see the great benefits in your drawings. To make a contour drawing, you must be able to see the different variations in the shape of the figure you are drawing. Put your pencil on your paper and fix your eyes to a starting point on the model. The starting point should be on the edge of the model. Starting on this contour, move your eyes and drawing hand slowly along the edge/contour at the same time. (A helpful hint is to turn sideways so you are not tempted to look at your drawing.) As you move your eyes along the contour, your pencil is moving along the paper to draw the contour. These are done synchronized. Don’t worry about your drawing! Just keep concentrating on the edge/contour/ as your eyes follow along the contour. Follow this edge/contour until it ends or changes direction. When it changes direction, establish a new starting point and begin the process again.

One note of caution…Try not to let your gaze get ahead of your pencil. Don’t get too concerned about the accuracy of the drawing. Use patience and practice and you will reap the benefits of this tool.

Benefits of Contour Drawing…

Contour Drawing is a great tool for helping artists to be able to see the model/human form accurately. It helps you develop this skill through the sense of sight and sense of touch.

Since childhood, we are sometimes taught to draw icons as certain shapes. Use a football shape for an eye, etc. Contour drawing helps us learn not to be iconists. We start seeing the subject correctly. In addition, contour drawing helps create a sense of 3d. Done well, it can stand-alone. Contour drawings help us get rid of biases that may have been ingrained since childhood.

tutoriel dessin

"Renaissance of pastel"

No longer a medium in search of itself, pastel now stands

on its own as the vibrant, protean material it truly is. It has matured, proven

its lyrical and muscular talents, and outstripped the epithet

“Renaissance” that once rightfully touted the reemergence of a resource

that had been marginalized and misunderstood for too long. We can

finally get beyond the slightly defensive impulse to praise a pastel in

terms of how its pictorial qualities compare to an oil painting, and simply

praise the outstanding qualities of pastel work. More>>

Forum pastel en anglais

Pastel huile et pastel craie. A little pastel talk to

http://www.wetcanvas.com/forums/forumdisplay.php?f=18

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