Dessinez une tete

La perspective (3): à points de fuite

La perspective à un point de fuite

Utilisée pour représenter des routes, ou des grands objets fuyant tout droit, en suivant le sens du regard, elle est également utilisée par les cartes 3D, et la majorité des algorithmes 3D, créant des artifices visuels lorsque de grands objets traversent le champ de vision de la caméra virtuelle. Et aussi tout ce qui est droit. Il faut garder en mémoire que la perspective n'existe pas. Elle est une interprétation théorique de notre vision. Elle a toujours été pressentie par les artistes, mais ce n'est qu'à la renaissance que des lois régiront la représentation sur un plan fuyant, nouveau désir pour les artistes de s'approcher du réel.

Les perspectives à plusieurs points de fuite

Utilisées en dessin lorsque des objets de taille importante ne fuient pas dans le même sens que le regard du dessinateur.

Vocabulaire du pastel (2): Rehauts

Les rehauts correspondent aux parties les plus éclairées du dessin. Ils se font en fin de travail généralement, ajoutant un peu de blanc, en frottant le pastel avec une gomme pour faire réapparaitre le blanc du support ou en grattant les couches de pastel avec une lame de rasoir.

Réduisez votre stress: art thérapie

L'art n'est pas seulement un moyen d'exprimer son coté créatif mais aussi la possibilité de se recuperer à la suite des certains événements traumatisants ou tout simplement s'affranchir du stress quotidien. La specialité de la medicine qui s'occupe de ce problème a comme nom: art thérapie.

Prenons l’exemple particulier du dessin dans le champ plus vaste de la thérapie par l’intermédiaire de l’art. Il y a trois bénéfices immédiats en pratiquant le dessin:

• vous arrivez à vous distraire des soucis et problèmes quotidiens, vous vous offrez des moments de repos, vous vous concentrez seulement sur l’activité physique du dessin

• la possibilité d’entrer sans un état méditatif, lorsque vous vous sentez entierement engagé dans cette activité

• prendre soin de soi-même: en pratiquant l’art comme loisir, vous arrivez à vous relaxer et vous offrir du bon temps pour vous-même.

La plupart des specialistes recommandent le journal d’esquisses. Avoir un journal dans lequel vous ajoutez du texte et du dessin peut s’avérer tres soulageant et créatif.

Il y a plusieurs journaux que vous pouvez tenir:

• un journal qui traite les causes de votre stress quotidien. Dessinez les personnes ou les situations tensionnées.

• un journal qui a comme sujet les expériences passées qui vous ont mis dans une situation très stressante.

• un journal qui recupere les rêves que vous faites, ca va vous aider de mieux vous comprendre vous-même

• un journal avec des esquisses des choses que vous considérez belles dans la vie.

En ce qui suit vous avez quelques exemples de thérapie par art.



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Vocabulaire du pastel (1): sgraffite

Souvent les débutants ont des difficultés à comprendre le vocabulaire trop technique des artistes. Sfumato, sgraffite, modelés, etc.. c'est des termes hermétiques. Afin de faciliter l'accès à ce language je vais constituer un vocabulaire pastel basique.

Le mot du jour: sgraffito

Sgraffito provient de l'italien et signifie "éraflé". La technique implique le grattage de la dernière couche d'une série de couleurs superposées pour réapparaitre la teinte précédente. Cette technique demande un pastel consistant (pastel tendre ou avec l'huile étendus en couche epaisse) pour s'érafler proprement. Vous avez besoin d'un stylet ou d'une lame de scalpel fine.

Histoire de l'art (3): Le minimalisme

Le minimalisme (ou art minimal) est un courant de l'art contemporain né au début des années 1960 aux États-Unis. La notion d'Art Minimal a été donnée à la fin de l'année 1965 par le philosophe Wolleim dans Arts Magazine au sujet d'une exposition à la Green Gallery de New York.
Interprété comme une réaction au débordement subjectif de l’Expressionnisme abstrait et à la figuration du Pop art, le minimalisme est caractérisé, entre autres, par un souci d’économie de moyens. Il hérite du célèbre principe de l’architecte Mies van der Rohe « Less is more » (« Moins c'est plus »), des œuvres de Malevitch, et reconnaît le peintre abstrait Ad Reinhardt comme l’un de ses pionniers avec Frank Stella.

Pour les Minimalistes ll n'y a rien d'autre à voir que ce que l'on voit . Le « ressenti » est interdit.
Ce courant regroupe des artistes tels que Donald Judd, Carl André, ainsi que Robert Morris et Sol LeWitt qui vont s’en détacher rapidement.
En réaction aux tableaux extrêmement colorés et aux objets quotidiens élevés au rang d'œuvres d'art par les artistes du Pop art, les œuvres minimalistes se composent généralement de deux ou trois couleurs et de formes basiques : ronds, carrés, lignes droites, etc. La simplicité est primordiale et il n'existe aucune représentation subjective derrière le minimalisme ; il est dénué de toute symbolique et ne cherche à jouer que sur les formes et les couleurs en évitant l'émotion au sens littéral du terme : un art dénué de tous sentiments subjectifs et objectifs.


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Minimalisme par James Meyer

Julian Beever: Pastel sur le sol

pastel sur le sol, Julian Beever
envoyé par Nobakani

Julian B

Faire un fondu pastel

Le fondu est une composante essentielle du travail au pastel qui permet la création des effets différents comme celui de la matière lisse ou veloutée, des reflets etc. On a plusieurs types de fondus:

1. Fondu à l'estompe: vous l'obtenez en frotttant doucement la surface avec la pointe ou le coté de l'estompe.

2. Fondu à la brosse: utilisez une brosse à poils courts (synthétique ou en soies de porc)

3.Fondu au doigt: frottez avec le doigt sur la surface du papier.

Matériaux recommandés pour le fondu: une boule de coton, mouchoir en papier, chiffon ou brosse.


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L'encyclopédie du pastel par Judy Martin

Histoire de l'art (2): cubisme

Le cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé de 1906 à 1914 autour de Georges Braque, Francis Picabia et Picasso. Après la Première Guerre mondiale, le mouvement s'essouffle, avant de s'éteindre vers les années 1920.

On peut distinguer 4 périodes:

Précubisme, ou cubisme cézannien, nègre ou géométrique (1907-1910). La démarche s'attache à la représentation en volume de l'objet, à la manière de Cézanne ou des masques africains ; la perspective traditionnelle est souvent malmenée.

Concerne essentiellement Pablo Picasso (cf Réservoir à Horta) 1909, et George Braque. André Derain et Fernand Léger mênent alors des recherches parallèles.

Cubisme analytique (1910-1912). L'objet est déconstruit, et toutes ses facettes sont représentées en fragments, sans aucun égard pour la perspective ; cette phase de recherche se caractérise par un chromatisme très peu saturé (gris, brun, vert, bleu terne). En revanche, la lumière occupe une place très importante ; elle se répartit différemment sur chaque fragment. Concerne essentiellement Pablo Picasso, (cf Le joueur de guitare, 1910) et Braque, qui coopèrent et rivalisent d'inventivité pour toujours pousser plus loin la démarche. Leurs toiles tendent à la stylisation abstraite.

Cubisme synthétique (1912-1914). Cette période est caractérisée par le retour de la couleur et par l'utilisation de la technique du collage (papiers, objets). Le peintre sélectionne les facettes les plus pertinentes de l'objet déconstruit (contrairement à la deuxième phase, où il n'y a pas de sélection). Des éléments de la réalité sont réintroduits, notamment par le collage de papiers ou donnant des indications de matière à l'objet reprèsenté (faux bois ou toile cirée). Cf. Pablo Picasso, Guitare et bouteille de Bass, 1913. Braque et surtout Juan Gris donneront à ce style une rigueur et une sérénité classique.

Cubisme orphique. Le nom est donné par Guillaume Apollinaire à propos des deux principaux représentants de cette forme de cubisme: Robert Delaunay et sa femme Sonia Delaunay. La couleur se détache de toute forme et permet la création, dans leurs œuvres, de cercles concentriques colorés, donnant rythme et vitesse au tableau.